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Les meilleurs films de tueur en série : Découvrez notre sélection !

Les meilleurs films de tueur en série

Découvrez notre sélectiond des meilleurs films de serial-killer

Pas plus tard que l’an dernier, une organisation à but non lucratif qui étudiait les meurtres non résolus dans la base de données du FBI a estimé qu’il pourrait y avoir jusqu’à 2 000 tueurs en série actifs aux États-Unis à un moment donné.

Qu’il suffise de dire qu’ils ne sont pas tous les éléments d’un film d’horreur classique. Peu sont cannibales. Peu d’entre eux vivent dans de vieux hôtels particuliers avec des passages secrets et un donjon privé au sous-sol. Encore moins nombreux sont ceux qui laissent derrière eux des cryptographes d’une complexité diabolique pour un détective harcelé, fumeur enchaînant et son partenaire pour débattre sur des assiettes d’œufs gras et de café noir. La réalité la plus effrayante est que beaucoup d’entre eux passent pour des personnes “moyennes” avec lesquelles nous interagissons tous les jours. C’est ainsi que ces histoires semblent se dérouler : Un tueur en série n’est pas l’étranger à l’air sinistre qui vient d’arriver en ville, c’est ce voisin tranquille d’à côté qui “est resté pour lui-même, la plupart du temps”.

C’est peut-être la raison pour laquelle le cinéma a une telle fascination pour la version plus grandiose et maniaque du tueur en série – ces histoires nous font vibrer même si elles nous distraient du danger plus pressant et de la banalité du mal quotidien. Quoi qu’il en soit, le concept de “tueur en liberté” est un sol cinématographique riche depuis presque aussi longtemps que le cinéma existe. Remontez jusqu’au Cabinet du Dr Caligari des années 1920 et ce que vous avez en gros, c’est une histoire de tueur en série – quoique, une histoire dans laquelle les meurtres sont perpétrés par un somnambule hypnotisé. Mais le fait est là.

Ci-dessous, nous avons rassemblé les 50 plus grands films sur les tueurs en série : une galerie cauchemardesque de meurtriers à la fois fantastiques et inquiétants tous les jours. Certes, il y a beaucoup de films sur les gens qui se font tuer en série – trop nombreux à prendre en considération et à comparer sans paramètres de base. Voilà comment nous fonctionnons :

Les tueurs de ces films doivent être humains. Les vampires, les loups-garous et les requins géants tuent tous en série, mais ce ne sont pas des “tueurs en série” en soi.

Les tueurs ne peuvent pas posséder de pouvoirs ou de capacités surnaturels. Ils ne peuvent pas être des fantômes ou des revenants morts-vivants. Cela signifie, par exemple, que Michael Myers de Halloween peut encore se qualifier, car il est définitivement un être humain, alors que Jason Voorhees de Friday the 13th ou Freddy Krueger de A Nightmare on Elm Street ne le font pas, étant donné que l’un est (typiquement) un golem immortel et l’autre est un monstre de rêve surnaturel.

En fin de compte, ce sont toutes des histoires d’êtres humains authentiques qui tuent d’autres êtres humains. Compris ?

50. Pièces
Année : 1982
Directeur : Juan Piquer Simón

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Pieces est le genre d’un slasher stupide qui se gratte la tête au début des années 80 où il est difficile de décider si le réalisateur essaie de parodier sournoisement le genre ou s’il croit réellement en ce qu’il fait. Quoi qu’il en soit, Pieces est un film délicieusement stupide, mettant en scène un tueur qui tue sa mère avec une hache lorsqu’elle était enfant après l’avoir grondé pour avoir assemblé un puzzle adulte vilain. Tout adulte, il traque les femmes sur le campus d’un collège et scie des “morceaux” pour construire une vraie femme puzzle. Les séquences de meurtre individuelles du film sont complètement et complètement folles, la meilleure étant une séquence dans laquelle le personnage principal féminin marche dans une ruelle sombre et est soudainement attaqué par un “professeur de kung-fu en survêtement” joué par Bruce Le, acteur de “Brucesploitation”. Après qu’elle l’a neutralisé, il s’excuse en disant qu’il a dû avoir “un mauvais chop suey” et qu’il est sorti du film. Le tout prend moins d’une minute. Pieces possède également l’un des meilleurs slogans cinématographiques de tous les temps : “Pièces : C’est exactement ce que vous pensez que c’est !” Pour schlock, c’est un classique méconnu. Jim Vorel -Jim Vorel

49. Hannibal
Année : 2001
Directeur : Ridley Scott

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Il serait hautement suspect que quelqu’un plaide pour ce film sur The Silence of the Lambs, mais malgré un déclassement évident par rapport au style visuel distinct de Jonathan Demme, Hannibal présente toujours des performances amusantes qui valent la peine d’être regardées. Gary Oldman est tout aussi dérangeant et amusant que l’horrible Mason Verger, laissé en vie après qu’Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) l’a frappé comme une punition spéciale. Julianne Moore remplace malheureusement Jodie Foster dans le rôle de Clarice Starling, ne parvenant pas à se connecter avec les racines du personnage en Virginie de l’Ouest de la manière qui l’a rendue à la fois émotionnellement vulnérable et exploitable par Lecter dans Silence of the Lambs. Pourtant, vous obtenez une double dose du tueur en série dans le film qui porte son nom, car Hopkins reçoit beaucoup plus de temps à l’écran que dans le film de Demme, vivant à l’étranger en Italie et laissant une trace de sang dans son sillage. Hopkins joue un personnage qui est tellement intéressant qu’on finit toujours par vouloir passer le plus de temps possible à l’observer. Jim Vorel -Jim Vorel

48. Le tueur en moi
Année : 2010
Directeur : Michael Winterbottom

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Les films du réalisateur britannique Michael Winterbottom vont des plus difficiles à dessein (A Cock and Bull Story) aux plus désordonnés (24 Hour Party People) en passant par les plus sombres.

 

43. Maman en série
Année : 1994
Directeur : John Waters

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John Waters a prédit la véritable fixation de l’Amérique sur le crime dans le sillage des frères Menendez et des procès Pamela Smart, avant même que Gus Van Sant n’ouvre la voie à To Die For, et dans la lueur des meurtres d’OJ Simpson, avec la langue à travers la plaisanterie de Serial Mom. Farce au premier plan, Waters comprend parfaitement le pouvoir d’avoir Kathleen Turner dans le rôle du meurtrier titulaire, une femme dont l’attrait, la domesticité et le statut de classe lui permettent d’obtenir la sympathie et le pardon qu’exigent ses crimes odieux pour pouvoir continuer, mais n’hésite jamais à juxtaposer l’attitude amicale de Beverly Sutphin (Turner) avec la nature putride de sa psyché, produisant un film aussi bouleversant qu’hilarant sur le noyau corrompu des désirs de la société pour des choses aussi merdiques. Même si sa famille tente de mettre fin à ses habitudes homicides, Beverly réussit à mettre fin à la vie de ceux dont elle veut mettre fin, son mari (Sam Waterston) et sa fille (Ricki Lake) et son fils (Matthew Lillard) impuissants face à la marée d’indices d’écoute et au nombre de Nielsen qui travaillent à les contrecarrer. Avec peu de place pour le débat, Waters met le blâme pour une telle misère aveuglante à nos pieds, insistant sur le fait qu’avec chaque parcelle de réalité que nous consommons, nous encourageons un autre psychopathe à faire ce pas supplémentaire vers leurs propres 15 minutes de sinistre stardomie. Dom Sinacola

42. Veuve noire
Directeur : Bob Rafelson
Année : 1987

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Le réalisateur Bob Rafelson, dont les crédits incluent Five Easy Pieces et le remake de 1981 de The Postman Always Rings Twice, livre un noir moderne rehaussé par deux performances d’as. Debra Winger fait Debra Winger en tant qu’agent du FBI, Alex, qui devient obsédé par l’auteur d’une série de mariages non résolus, puis de meurtres. Theresa Russell correspond à sa note par note en tant que Catharine, qui est aussi bonne en escroquerie qu’elle est un jeu du chat et de la souris avec le costume humdrum de Winger. Et puis il y a l’énorme quantité de recherches qu’il faut faire – Catharine sur les passions de ses futures victimes, Alex sur son suspect. C’est intelligent, avec des commentaires pointus sur le genre en plus. Le simple-Jane Fed joue les ennemis avec le caméléon glamour tandis que le grand cinéaste Conrad L. Hall (Cool Hand Luke, American Beauty) mine le suspense dans l’ombre, afin de mieux mettre en valeur les yeux d’acier de Russell et les facettes de porcelaine, qui lui donnent froid dans le dos. Des points bonus pour une droll de Dennis Hopper en tant que marque de Catharine, et une Diane Ladd lecherously long-clailed Diane Ladd en tant que l’un de ses parents. Amanda Schurr

41. Épreuve de la mort
Année : 2007
Directeur : Quentin Tarantino

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Kurt Russell joue le tueur en série Stuntman Mike dans Death Proof, la moitié de la maison Grindhouse de Quentin Tarantino, mais les voitures sont les vraies stars. Tout comme il le fait dans toutes ses œuvres, Tarantino remplit la vie de sa ménagerie diversifiée de personnages avec son mélange caractéristique de dialogue pop-culturel mondain et de violence insensée. Dans une séquence exaltante, la cascadeuse Zoe Bell s’accroche de façon précaire sur le capot d’une voiture qui roule à toute allure dans ce qui est l’une des plus grandes scènes de poursuite de l’histoire du cinéma. En fin de compte, Death Proof ne sera jamais considéré comme l’une des “œuvres majeures” de Tarantino – surtout après les récentes révélations de l’accident de voiture d’Uma Thurman sur le plateau de Kill Bill – mais c’est quand même une bonne dose d’adrénaline pour voir Stuntman Mike enfin obtenir ce qui lui revient. Tim Basham

40. Dérangé : Confessions d’un nécrophile
Année : 1974
Directeurs : Alan Ormsby, Jeff Gillen

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Imaginer Deranged comme le prélude à Home Alone fait des grands contes de Buzz sur le voisin d’à côté qui donne la chair de poule, un vrai cauchemar. Dans la curieuse curiosité culte canadienne d’Alan Ormsby et Jeff Gillen, Roberts Blossom joue Ezra Cobb (son seul rôle principal, bien qu’il n’ait jamais obtenu autant d’attention qu’il a été mal compris, Old Man Marley), une petite ville profondément troublante qui abrite une obsession troublante avec sa mère récemment décédée, qui se transforme bien sûr en une frénésie meurtrière pour rassembler plus de cadavres afin de tenir compagnie à sa mère. Comme la plupart des histoires de tueurs en série, les afflictions mentales d’Ezra s’inspirent généreusement de la fascination morbide de la culture pop pour les individus tourmentés qui existent dans tous les coins domestiques de la planète, déguisant leurs névroses pour fonctionner au sein de la société, et ainsi Deranged tire de l’histoire d’Ed Gein autant qu’il semble tirer du réalisme choquant de The Texas Chain Saw Massacre – qui est sorti la même année (les deux films tirant probablement du même bassin collectif de peurs jungiennes inconscientes) – se déchaînant à briser un tabou après l’autre, sans se laisser abattre par la grumeur dépeinte à l’écran. Deranged devient dégoûtant, ses derniers instants révélant que, comme tant de films de son espèce, ceci pourrait.

 

39. Maniac
Année : 2012
Directeur : Franck Khalfoun

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Maniac est une réimagination assez impressionnante du film d’horreur d’exploitation de 1980 du même nom, une tentative de prendre du matériel grindhouse et de le redresser dans une peau moderne, à parts égales choquantes et provocantes. Elijah Wood donne une performance transformatrice en tant que tueur, Frank Zito, même si vous ne voyez presque jamais le visage de Wood, étant donné que tout le film est filmé du point de vue du tueur – oui, tout le film. Au contraire, le public entend le bruit de fond de sa folie alors qu’il murmure à lui-même et traque ses victimes féminines. Soyez prévenu : La violence de Maniac est difficile à surveiller, même pour les vétérans de l’horreur chevronnés, et le tir constant du point de vue du tueur fait immédiatement sentir le public à la fois coupable de sa complicité et malade de sa solidarité avec le tueur. Certains diront qu’il est trop gratuit dans sa brutalité, mais le film est tellement assuré dans ses objectifs artistiques qu’il est difficile de s’en tenir à la critique. Sur une partition alternant synthétiseur Carpenter-esque et musique classique et opéra, Maniac est un film d’art et d’essai s’il y en a jamais eu un. Jim Vorel -Jim Vorel

38. Croisière
Année : 1980
Directeur : William Friedkin

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Source de protestations et de protestations lors de sa sortie originale, Cruising de William Friedkin a vu le réalisateur plonger à nouveau ses orteils dans la sous-culture gay, et bien qu’il soit passé de la classe moyenne, les appartements imbibés d’alcool de The Boys in the Band (1970) à des bars souterrains en cuir taché de sueur, peu de choses ont changé dans la façon dont il a conceptualisé la façon dont les hommes gays ont conceptualisé leurs propres peurs et désirs. Perspective extérieure ou non, le lien entre son adaptation de la pièce Albee-esque de Mart Crowley et le noir pulpeux d’un thriller de Gerald Walker est un dégoût de soi, tous deux sur des hommes adultes dont l’identité entière dépend de leur capacité à s’engourdir. Friedkin’s Cruising encadre cette anxiété dans l’histoire d’un flic, Steve Burns (Al Pacino), qui s’infiltre dans la culture du cuir de New York pour trouver un tueur en série assassinant des hommes sur la scène, le lien de Friedken entre le sexe et la mort s’est amplifié en raison de son homosexualité. Si le réalisateur a un œil gawky et errant, il semble logique que Pacino’s Burns, lui aussi, soit envoûté, repoussé, attiré et captivé par une manifestation de masculinité qui mélange délibérément l’étranger et le familier. Comme un amalgame du danger de la masculinité toxique et une méditation prophétique sur la crise du SIDA (le premier rapport sur le SIDA n’a été publié dans le New York Times que le 3 juillet 1981), la croisière est stupéfiante comme le voyage hésitant d’un homme dans un trou de lapin gay (gloire). Kyle Turner

37. La Cellule
Année : 2000
Directeur : Tarsem Singh

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La carrière du réalisateur Tarsem Singh n’a jamais été à la hauteur de la promesse de The Cell de 2000. Ce tour futuriste et fantastique sur Le Silence des agneaux voit une psychologue (Jennifer Lopez, à l’époque où elle était actrice avant tout) descendre dans l’esprit tordu d’un tueur en série (un Vincent D’Onofrio méconnaissable) via une technologie expérimentale qui permet à la conscience d’une personne d’être insérée dans le subconscient d’une autre. Présentant Inception, The Cell est parfois étonnamment imaginatif, un festin visuel qui rappelle les fixations de Clive Barker sur la grandiosité et le sadomasochisme, alors que Lopez se heurte à la projection mentale du tueur, qui s’habille et se comporte comme un dieu-roi omnipotent dans un monde de rêve tordu comme quelque chose de H.P. Lovecraft. Non poli et parfois autosatisfaction, il faut encore admirer son chutzpah. Si l’un de ces films devait être refait comme épisode de Black Mirror en 2018, ce serait probablement celui-ci. Jim Vorel -Jim Vorel

36. Ténèbres
Année : 1982
Directeur : Dario Argento

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Si vous avez écrit un livre d’horreur ultra-violet, et si votre livre d’horreur ultra-violent a inspiré un psychopathe de la journée de travail à se lancer dans leur propre folie meurtrière ultra-violente, seriez-vous mis à l’écart ou le prendriez-vous comme un compliment ? Ce n’est peut-être pas la question que Dario Argento pose dans son célèbre film giallo Tenebrae de 1982, mais l’intrigue évoque un vieux proverbe sur l’imitation et la flatterie : L’auteur américain Peter Neal (Anthony Franciosa) se rend en Italie pour promouvoir son nouveau livre et découvre qu’il y a un tueur en série en liberté, encouragé par la bibliographie de Neal et assassinant des Romains en son nom. Ça doit faire du bien à Neal, mais pas tant que ça pour les victimes du tueur. Le gars n’est pas exactement dans l’efficacité ; il préfère faire souffrir sa proie, ce qui ne devrait pas être une surprise étant donné la source de Tenebrae. (Argento ne s’intéresse pas non plus à l’efficacité. Il tuera des gens avec des stocks aléatoires de fil de rasoir s’il en a envie.

Tenebrae, plus que les autres films Argento, est difficile à regarder ; c’est une affaire particulièrement sanglante, mais sa valeur artistique exige que nous le considérions comme un cinéma essentiel.

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